Quand je prends des photos pour mon blog, j’installe ma mise en scène sur une table devant une grande fenêtre inondée de lumière. L’hiver, j’obtiens une jolie lumière diffuse, le soleil étant souvent caché derrière les nuages. Mais en été, le soleil frappe fort à travers la vitre et éclaire de manière très dure mon plat. Cela a pour effet de créer des contrastes très forts : telles quelles mes photos ont des ombres très foncées et les zones éclairées sont très blanches. Évidemment, je pourrais jouer avec ces conditions d’éclairage et mettre en valeur le plat à travers ses contrastes.

Néanmoins, souvent j’ai envie d’adoucir cette lumière. Pour cela, j’ai deux moyens : la diffusion et la réflexion.

Pour diffuser la lumière qui passe à travers ma fenêtre, le rideau en voile très fin est souvent insuffisant, je le complète donc avec un diffuseur. C’est un disque de tissu blanc légèrement opaque. Placé dans le des rayons du soleil, il va permettre une lumière plus douce mais sans trop diminuer la luminosité. Avant d’acquérir un diffuseur, j’ai longtemps utilisé un rideau blanc très fin ou même du papier sulfurisé collé à même la fenêtre !

Lorsque je prends mes photos positionnée face à la fenêtre, je me retrouve en contre-jour. Avec une lumière vive du soleil, la photo est alors très contrastée : je suis sur-exposée dans les zones éclairées et sous-exposées dans les zones d’ombre. Le diffuseur va permettre d’atténuer la sur-exposition mais je vais avoir besoin d’un peu d’aide pour éclairer les zones d’ombre. Pour cela, j’utilise un réflecteur blanc que je positionne face à la fenêtre un peu décalé sur le côté. Le réflecteur va réfléchir la lumière et permettre d’éclairer un peu plus les zones d’ombre. Plus rarement, il m’est arrivé d’utiliser un réflecteur or ou argent pour obtenir une ambiance particulière mais ces derniers sont plus difficiles à utiliser en photo culinaire. Évidemment, une simple feuille blanche ou un carton plume fera aussi bien l’affaire !

J’ai aussi une 3ème petite astuce pour les plats en sauce ou avec du liquide. Qui n’a jamais été agacé par les reflets beaucoup trop présents sur une soupe (qui souvent fait un effet miroir et vous et votre appareil photo apparaissez alors sur la photo !) ? Pour éviter cela, vous pouvez visser à votre objectif un filtre polarisant. Le filtre polarisant va atténuer voire faire disparaitre les reflets dus à la lumière. Il va également augmenter le contraste de la photo et la vibrance des couleurs. Je l’utilise cependant avec parcimonie, lorsque je n’ai pas trouvé le moyen de contourner les reflets. De plus, il est difficilement utilisable dans des conditions de faible luminosité car il diminue la luminosité à la prise de vue.

Photo non retouchée prise en contre-jour avec diffuseur (la source de lumière vient d’en face)

Ajout d’un réflecteur positionné face à la source de lumière qui va venir adoucir les zones d’ombre

Ajout d’un filtre polarisant gommant les reflets sur le thé (avec augmentation de la vitesse d’obturation pour pallier à la baisse de luminosité due au filtre polarisant)

Ce post est un petit post-it pour vous rappeler les astuces à utiliser pour dompter la lumière. N’oubliez pas de relire les posts sur la lumière acte I et acte II pour approfondir cette question !

-    Tout d’abord, pas de photo sans avoir tourné le bouton on-off (comme le cache objectif, c’est un peu le classique du « haa mais pourquoi ça marche paaaas ? Ha ben c’était pas allumé. Ok, je sors !).

-    Le paramètre ISO. Avec l’ISO, on règle la sensibilité de l’appareil : en gros, plus il fait sombre, plus l’ISO devra être élevé. Plus l’ISO est élevé, plus il laissera entrer de lumière sur le capteur, mais cela va se faire au détriment de la qualité de l’image (plus l’ISO est élevé et plus on verra apparaître du grain sur la photo).

-    La balance des blancs. La balance des blancs est à adapter en fonction du type de lumière disponible (nuageux, plein soleil, néon, ampoule…). Plus la balance des blancs sera correcte, et plus on obtiendra des blancs sur la photo qui seront proches des blancs de la réalité.

-  La vitesse d’obturation et l’ouverture. Ce sont deux paramètres qui vont de pair. L’un va être ajusté en fonction de l’autre. Généralement, on commence par régler la profondeur de champ qu’on souhaite obtenir (un flou plus ou moins important sur la photo) et ensuite on adapte la vitesse d’obturation en fonction des conditions de lumière et du degré de luminosité qu’on souhaite obtenir sur la photo.

-    Le focus. Lorsque l’appareil fonctionne en autofocus ET qu’on a mis l’appareil en mode manuel, on va pouvoir dire quelle zone de la scène on souhaite voire nette. En autofocus, l’appareil va de lui-même se régler pour que cette zone soit nette. Si on met notre objectif en mode manuel, on va devoir tourner la bague pour faire jouer les lentilles de l’objectif et trouver nous-mêmes la zone de netteté. L’objectif en mode manuel peut être utile lorsqu’on souhaite faire le point sur une zone non couverte par les indicateurs de l’appareil photo. Mais cela nécessite de bien vérifier en zoomant sur l’image que c’est bien net car nos yeux peuvent être trompeurs !

-    Le déclencheur. C’est donc le bouton qui déclenche la photo ! On peut mettre le déclenchement à retardement (2 sec ou 10 sec) ou faire le déclenchement à distance via une télécommande ou via l’ordinateur pour certains réflex. Le déclenchement différé peut être intéressant lorsqu’on utiliser un trépied et qu’on ne veut pas risquer d’avoir un flou de bouger au moment où on appuie sur le déclencheur.

Voilà donc tous les principaux éléments à avoir en tête lorsqu’on utilise son appareil en mode manuel. Bien évidemment tous les appareils ne vous donneront pas accès à tous ces paramètres, je pense notamment aux compacts où souvent on ne peut pas gérer sa vitesse d’obturation et son ouverture.

Et quand on a une photo qu’on aime bien, comment on fait pour retrouver ses réglages ?
Et bien il « suffit » d’aller voir les données exif de la photo. Les données exif c’est en quelques sortes la carte d’identité de la photo où seront consignés tous les paramètres utilisés (type d’appareil, type d’objectif, ouverture, exposition etc…). Pour lire ces méta-données, on peut utiliser XnView comme programme (on peut également y avoir accès via lightroom). Cela peut être utile quand on débute de passer les photos de blogs ou de site qu’on apprécie pour savoir quels réglages ont été utilisés.

Avant de nous pencher sur les 4 photographies sélectionnées, un grand merci et bravo à tous pour vos participations !
Certains se sont surpassés en créativité, dans les mises en scène (avec des propositions parfois très poétiques !) et les 4 photos (au lieu de 3 car nous avons un ex-aequo !) que nous avons sélectionnées sont celles qui répondaient le plus aux critères du challenge, à savoir : l’appétence du plat (à-t-on envie d’en manger ? De plonger la cuillère dedans ?), le respect du thème blanc & or, la qualité de la photo (composition, cadrage, gestion de la lumière) et le stylisme (vient-il supporter la nourriture et est cohérent avec le plat présenté  ?) Comme précisé dans l’article de départ, la recette en elle-même (la complexité ou ses ingrédients) n’était pas prise en compte.

Enfin, puisque sur Culinographie on est là pour échanger et progresser tous ensemble, voici les points forts et les points faibles des photos sélectionnées :

Notre coup de coeur #1 : bûche à l’amande blanche, crème de citron et coco par Marie Chioca

Appareil : Nikon D 90 (mode  manuel) Objectif :  18-105 mm, ISO 400, f/5.3, 1/15 sec. + balance des blancs réglé sur « ombre »,
trépied et déclenchement différé.

Ses + : la bûche est le sujet principal de la photo, elle est bien cadrée : on veut en manger !
La lumière est douce sur l’ensemble de la photo et le sujet bien éclairé.
Le stylisme est cohérent avec le dessert présenté : les couleurs et les ingrédients sont ceux de la recette et le rappel du thème se fait en touches colorées délicates dans le fond de la photo.

Ses - : le bolduc doré au premier plan prend un peu trop d’importance. On aurait préféré qu’il soit moins présent (qu’il ne chevauche pas l’assiette) afin de laisser toute la place à la bûche.
Le cadrage est un brin trop sérré sur le coin supérieur gauche de la bûche.
Les éléments du fond (assiettes, pot de sucre et bougies) sont disposés de manière un peu trop linéaire et rangée… Plus de mouvement aurait apporté plus de dynamisme à la photo. En retirant un des éléments, cela aurait crée un espace négatif (l’espace de la photo où il n’y a rien) plus intéressant.

Conseil : de manière générale, en photographie culinaire, les éléments sont toujours plus intéressants présentés en nombre impair (ça casse le côté « bien rangé »).

Notre coup de coeur #2 : Bicchierini di  pere caramellate e capasanta su risotto bianco
(Verrines de poires caramélisées, pétoncles et risotto blanc… mais j’ai pas fait Italien LV2,
alors excusez-moi si ça n’est pas tout à fait ça ! ;)) par Oxana Afanasyeva

Appareil : Sony DSLR-A100 Objectif : Minolta 62 mm, ISO  200, f/6.3, 1/80 sec., correction d’exposition +0,3

Ses + : le plat est tout en textures et couleurs différentes qui se complémentent bien. Les touches de vert apportent de la fraîcheur à l’ensemble marron/ beige/ doré, on a envie d’attraper les petites poires par la queue et de déguster les verrines !
La lumière naturelle qui vient de l’arrière flatte l’ensemble du plat et apporte du relief et de la dimension (ombres et brillances).
La profondeur de champs (rapport flou/ net) est maîtrisée : la première verrine est nette et les deux autres plus hors foyer, ce qui donne de la profondeur à l’image tout en formant un ensemble gourmand.
Le stylisme est soigné : l’utilisation de verrines transparentes permet de voir les différentes « couches » du plat. Le côté individuel du plat est suggéré par la présentation de 3 verrines. On trouve des rappels à l’univers marin et au pétoncle qui compose la verrine : le plat pour poissons, le coquillage, une suggestion d’accompagnement avec le verre de blanc pétillant… qui restent assez subtils.

Ses - : On aurait préféré que le « set de table » doré prenne tout l’espace de la photo en largeur plutôt que d’être coupé à droite (ça crée une ligne dont on a pas vraiment besoin).
Le fond aurait également pu prendre tout l’espace de la photo quitte à se perdre en arrière-plan et être plus flou et exposé (plus grande profondeur de champs + lumière qui vient de l’arrière + éventuellement un réflecteur si la lumière n’est pas assez forte à l’arrière).
Le verre aurait pu être plus en arrière-plan car les verrines sont les véritables « héroïnes » de la photo. Dans un soucis de logique, on aurait également pu retrouver 3 verres (comme on a 3 verrines) dans le fond, plus flous et décentrés par rapport au sujet principal.

Notre coup de coeur #3 ex-aequo : Bûche salée à la truite fumée et pourpier par Frédérique Chartrand

Appareil : Canon 5D Objectif 100mm macro USM  Canon , ISO 100 , f/7.0, 1/5 sec., Température (en degré Kelvin) :  5500 K, trépied Manfrotto 190XPROB avec une rotule 3D + retardateur

Ses + : le fait d’avoir découpé une part de bûche donne immédiatement envie d’attraper le morceau et de l’avaler ! C’est un appel à la gourmandise. De plus, la lumière qui vient de derrière crée des reflets flatteurs sur l’ensemble de la bûche et les différentes textures et couleurs apportent vraiment de la gourmandise : j’ai faim !
On devine bien les différents ingrédients principaux de la recette sans même avoir à lire le descriptif : le saumon, le pourpier, la génoise (au curcuma), le glaçage… la photo dit tout !
La photo est très lumineuse, vibrante et les couleurs des ingrédients utilisés sont sublimées par la lumière naturelle.
Le stylisme est délicat : la génoise a été préparée et roulée avec soin, il n’y a pas de traces disgracieuses de crème (ou qui déborde… ) et en même temps, tout n’a pas l’air figé, ça reste naturel.

Ses - : La photo est légèrement surexposée, ce qui crée un point de lumière trop fort notamment dans le coin supérieur droit de l’image et sur le glaçage de la bûche. Avec une exposition légèrement inférieure, la lumière aurait été plus douce et homogène.
On aurait préféré un cadrage plus serré sur la bûche et « rentrer dans l’image » par la bûche plutôt que par les 3 bougies à droite. Enfin, si le couteau est là pour décorer plus que pour réellement aider à découper la bûche, la grille n’était peut-être pas le support le plus adapté pour découper une bûche (néanmoins, ses courbes apporte du mouvement à l’image).

Notre coup de coeur #3 ex-aequo : Gâteau Bundt au citron, gingembre confit et glaçage au mascarpone par Gabriela Iancu

Appareil : Sony Alpha 330, Objectif : 18-55mm, ISO 800, f/5.0- longueur de la focale 30mm, mode manuel

Ses + : la composition est vraiment harmonieuse et la prise de vue en hauteur (ou « vue d’avion ») crée une belle scène d’ensemble.
Le fait que le plat de présentation du gâteau soit coupé et décentré dans l’image apporte du dynamisme et la diagonale entre le plat et la part de gâteau dans l’assiette crée une ligne de force.
La photo n’est pas statique, l’oeil voyage entre les divers éléments sans se perdre… signe que la composition n’est pas trop surchargée.
Le stylisme objet est soigné et la vaisselle « vintage » apporte du caractère à la photo.

Ses - : Même si la photo cultive un côté vintage, on trouve la balance des blanc légèrement trop jaune, comme en témoigne la couleur de l’ombre à gauche de la part de gâteau dans l’assiette ou celle du lait dans le verre.
La mise au point sur le dessus de la part de gâteau est légèrement floue, ce qui est dommage si on la considère au même plan que le gâteau tranché.
Enfin, on aperçoit du sucre glace dans le tamis et sous le gâteau mais pas vraiment sur le dessus… ce qui n’est pas très cohérent.

***
Enfin, quelques conseils en vrac suite aux participations reçues :

- Il est important de noter la grande qualité générale des photos ci-dessus et de se rappeller que la critique constructive d’un point de vue extérieur est toujours plus facile que lorsqu’on a le nez dedans !

- Pour beaucoup, la balance des blancs n’était pas maitrisée  : on vous l’accorde, ça reste difficile à gérer sur fond blanc (et encore plus en blanc sur blanc), alors hop, on retourne lire cet article et on pratique !

- Si nous n’avons pas recensé de photos avec des retouches irréelles, c’était bien un point auquel nous étions sensibles : il n’y a rien de mal à corriger une balance des blancs un peu trop bleue ou jaune, redonner un peu de contraste ou « éclairer » un brin une scène sous-exposée en post-production; c’est même plutôt conseillé et, à l’ère du numérique, la majorité des photographes le font !  Mais la retouche doit être maîtrisée et doit venir sublimer la photo (on ne rattrapera jamais une mauvaise photo de base à la retouche), tout en restant discrète et naturelle sans quoi on verra tout de suite un « truc qui cloche ».

- Côté stylisme, attention à photographier les ingrédients les plus frais possibles :  la soupe ne doit pas être figée, le citron ou les herbes fraiches doivent être « frais coupés », etc.
La propreté de l’assiette et des accessoires est primordiale (sauf parti pris stylistique) prenez une ou deux minutes supplémentaires pour regarder votre plat : est-ce que la crème dépasse grossièrement ? Est-ce que « ça fait un tas pas très beau ? » Il ne suffit pas de « poser et shooter » mais bien de rendre appétissant à la photo.
Les éléments du décor et les accessoires doivent être en accord avec le plat et le thème : attention à l’utilisation d’ustensiles purement décoratifs qui desservent l’histoire de votre photo (et il faut veiller à rester logique, par exemple : on ne coupe pas une miche de pain avec un couteau à beurre, etc.)

- Pour réussir à produire une « belle photo », il ne suffit pas d’appuyer sur le déclencheur mais bien de penser à ce qu’on veut dire/ transmettre dans la photo avant le shooting.

- Attention aux trademarks (ou watermarks) trop gros ou en plein milieu de votre photo : nous sommes bien placées pour comprendre combien ça peut être énervant de se faire voler une photo mais un watermark discret fait tout aussi bien le travail !

- Enfin, et c’est grâce à vous chers lecteurs, que nous nous en rendons de plus en plus compte : sur nos blogs, on a tendance à vouloir créer pleins de petites photos d’ambiance (y pas de mal à ça) en oubliant parfois de créer l’image qui dit tout : THE image qui, isolée, fonctionne toute seule. À vouloir trop en mettre et à rajouter de la typo ou des fioritures, on crée au final des images moins impactantes. À méditer donc… ;)

Maintenant, c’est à vous de nous dire quelle photo vous préférez et surtout pourquoi ! (sinon, on fait pas d’autres articles)(oui, c’est une menace ! ;)) N’hésitez pas à ajouter vos plus et vos moins dans les commentaires et encore bravo à tous pour vos participations !

C’est une question difficile, car le choix d’un appareil photo reste un choix subjectif (marque, perfectionnement de l’appareil…) et surtout tout dépend de l’utilisation qu’on veut en faire.

Pour un débutant, je conseille souvent de commencer avec ce qu’il a déjà en sa possession : un compact le plus souvent ou un bridge, afin de comprendre le mécanisme de la photo, la lumière, la profondeur de champs, la composition, les cadrages et surtout pratiquer, pratiquer, pratiquer… il n’y a que comme ça qu’on s’améliore !

Une fois et une fois seulement qu’on a testé tous les modes de prise de vues, exploré différentes lumières, et SURTOUT bien compris comment fonctionnait son appareil/ les principes de base de la photo et qu’on commence à sentir les limites du-dit appareil… il est alors temps de changer pour mieux ! Mieux comme un réflex par exemple ! (je vous renvoie à cet article pour bien comprendre la différence entre tous ces appareils)

Mais attention il ne s’agit pas de mettre tout de suite des fortunes dans un appareil qu’on ne saura pas utiliser ou trop perfectionné pour l’utilisation qu’on va en faire. Est-ce que vous ferez des photos tous les jours ? Toutes les semaines ? Est-ce que vous voudrez transporter facilement votre appareil photo en vacances ? (dans ce cas là, il ne faudrait pas qu’il pèse trop lourd…). La question du prix rentre évidemment en ligne de compte : acheter un appareil photo à 1500 euros et un objectif à 1000 euros quand on ne fait que des photos sur son blog, de temps en temps, pour le plaisir… c’est un peu… euh… excessif ! Tant de questions à se poser pour être sûr de faire le bon choix !

C’est pourquoi je vous ai préparé ce petit récapitulatif (ou guide cadeaux… après tout c’est bientôt Nowel !) des appareils photos que je connais pour les avoir utilisé (le EOS 450D, ou ici son grand-frère le 550D)/ avoir testé (Nikon D90) / avoir bavé dessus (le Canon 5D) + une liste d’objectifs biensûr non-exhaustive.

Je vous parle de ce que je connais et loin de moi l’idée de vous décrire chaque caractéristique détaillée des matériels présentés (pour ça, rendez-vous sur les sites des constructeurs !). Le mieux reste biensûr de comparer les appareils, leurs prix (on trouve beaucoup d’infos sur internet), et de tester (en magasin, en empruntant à un ami, ou en louant…) les différents appareils et objectifs pour choisir celui qui deviendra votre nouveau bébé ! ;)

L’équipement du débutant-intermédiaire
{Canon EOS 550D + Objectif Canon 50 mm f/1.8}

#1 Le Canon Eos 550 D (ou le 600D) est un appareil réflex numérique dit « entrée de gamme ». C’est-à-dire que c’est l’appareil réflex le plus abordable au niveau technique (= comprendre qu’il n’y a pas 1000 boutons) et aussi au niveau coût. Canon fait aussi le 1000 D, mais il est moins intéressant au niveau des contrôles de l’appareil. Le boîtier (l’appareil nu sans l’objectif) du 550D est essentiellement en plastique mais est relativement robuste, ce qui en fait un appareil plutôt léger à transporter (on est néanmoins loin du poids plume des compacts, sachez-le !)

C’est un appareil qui est donc très bien pour débuter (j’utilise encore son petit frère le 450D) mais comme c’est un réflex, vous aurez déjà de quoi vous amuser par rapport à un compact de base, ce pour une utilisation amateur.

#2 L’objectif Canon 50mm f/1.8 est sans doute l’objectif le moins onéreux du marché… et un vrai bon rapport qualité-prix. À une très grande ouverture de l’objectif (jusqu’à 1.8 donc), il permet d’obtenir de beaux bokehs (flous). Petit rappel : focale courte (50 mm) + grande ouverture (1.8 par exemple) = faible profondeur de champ; c’est-à-dire que la zone de netteté sur vos photos sera petite et les autres éléments seront flous.*

Le 50mm f/1.8 est un objectif à focale fixe, c’est-à-dire qu’il n’a pas de zoom, ce qui peut-être très déroutant voire énervant quand on est habitué à zoomer pour faire des photos. Par contre, cet objectif permet de vraiment chercher ses cadrages et surtout, parce qu’on peut l’ouvrir jusqu’à 1.8, permet de shooter en condition de faible luminosité.

L’équipement de l’aspirant photographe
{Nikon D90 + Objectif Nikon 50 mm f/1.4}

#3 Le Nikon D90 se situe « une coche au dessus » du Canon 550D : son petit écran LED sur le dessus de l’appareil permet de vérifier ses réglages, sa sensibilité ISO est plus vaste, ses possibilités de personnalisation sont un peu plus poussées… Bref, c’est mieux mais c’est aussi un peu plus cher ! (sinon c’est pas drôle). Si on a tout de suite envie d’avoir plus de contrôle sur son appareil et déjà de bonnes connaissances en photographie, c’est celui-là que je conseillerais d’acheter : le D90 reste un appareil accessible tout en offrant beaucoup de possibilités. C’est un appareil considéré comme semi-professionnel.

#4 L’objectif Nikon 50mm f/1.4 est comparable au 1.8 de chez Canon dans son utilisation (focale fixe donc pas de zoom)… mais la qualité et le piqué des photo est nettement supérieur (le prix aussi). L’objectif est aussi plus robuste et fait moins « gadget. » Si je devais me racheter un objectif à focale fixe c’est sûrement celui-là que je choisirais (plutôt que de racheter un f/1.8 si celui-ci se brisait… Père Noël, soit à l’écoute s’il te plait !)**

L’équipement du professionnel
{Canon EOS 5D Mark II + Objectif macro 100 mm}

#5 Le Canon Eos 5D Mark II est biensûr un appareil d’exception (capteur full frame, vaste plage ISO, réglages précis et personnalisables…) mais, je ne vous le conseillerais pas si vous êtes débutant ! Malgré la grande qualité de l’appareil, rien ne remplace les yeux experts (ou du moins entraînés) du photographe. Et à moins d’avoir beaucoup pratiqué la photo avant (et donc de ne pas être débutant) ou d’être un Mozart de la photo… posséder un gros 5D et ne pas savoir sans servir c’est exactement comme… … … … bref, vous voyez ce que je veux dire.

(Par contre, si tu sens les limites de ton appareil entrée de gamme, que tu as pris beaucoup de photos, et que tu t’appelles Christelle, tu peux déjà commencer à économiser ! ;))

C’est un appareil tout indiqué pour une utilisation professionnelle. Niveau pratique, le 5D est ce qu’on pourrait appeler un « bon gros appareil », alors c’est sûr qu’on ne voyage pas léger avec lui !

Les objectifs macro (ici les 60 mm (#6) *EDIT : comme une lectrice le faisait remarquer, apparemment le 60 mm n’est pas compatible avec le 5D, alors attention à cette contrainte lors de vos achats* et le 100 mm (#7) de Canon) sont aussi de très bons objectifs pour être utilisés en photographie culinaire. Ils permettent justement d’aller chercher au plus près de la nourriture pour en révéler tous les détails et faire saliver ! Avec ces objectifs, on est néanmoins pas obligé de toujours s’approcher à 2 mm de la bouffe : la grande qualité de l’optique permet aussi bien de faire des plans plus larges avec un superbe piqué.

Pour conclure, sachez qu’un bon boîter c’est bien, mais un bon objectif -consciencieusement choisi selon l’utilisation qu’on veut en faire- c’est encore mieux !
Avec tout ça, j’en connais qui vont faire de belles photos pour le Challenge de Noël hihihi !

*** Tous les appareils et objectifs présentés ont leur équivalent chez Canon ou Nikon… ou autres (Sigma, Tamron font aussi de très bons objectifs) ***

* Et la distance par rapport au sujet est aussi à prendre en compte. On y reviendra si vous avez besoin de révisions !

** Il n’est rien arrivé à mon 1.8… enfin, pas encore…

Crédits photos : Canon, Nikon. Cliparts par PlugyPixel.

cranberry mulled cider from tiger in a jar on Vimeo.

J’ai eu un coup de cœur. Un énorme coup de cœur.

La nouvelle vidéo de Tiger in a jar découverte dans le magazine Anthology.
J’ai littéralement regardé la vidéo la bouche ouverte, comme un enfant auquel on aurait donné un jouet beaucoup trop beau. J’étais médusée.

Et surtout, j’ai eu faim. « A winter warmer » a réussi à me donner l’appétit immédiatement : j’avais envie de préparer du cidre chaud aux canneberges avec eux, d’en boire. Tout de suite. De sentir le goût. Je salivais.

J’avais envie de partager ce moment avec les filles de la vidéo (bon, c’était un peu compliqué), et avec vous, sur Culinographie.

On oublie trop souvent que c’est ça le premier but de la photographie culinaire (et ici c’est la « photographie » au sens cinématographique dont il est question) : rendre appétissant.

Je ne sais pas comment décrire cette vidéo autrement qu’avec des superlatifs (merveilleux ! Superbe ! Encore !) « A winter warmer » est tout en touches créatives et délicatesse, la musique transporte et le montage est aussi extrêmement soigné : bref, je craque.

Pour info, Tiger in a jar est un studio créatif composé de Julie et Matt Walker.
Vous pouvez les retrouver sur leur blog et pour ceux qui auraient râté leurs superrrrrrbes précédentes vidéos, je vous conseille de voir (ou revoir) : « Beet cake » -par laquelle j’ai découvert le studio- et « Ribonned asparagus salad » – une superbe vidéo qui a grandement contribuée à mon envie d’acheter du vernis doré ! ;)

J’espère que cette vidéo et le travail de Tiger in a jar vous inspirera autant que moi !

On se retrouve très vite avec un article spécial « Quel appareil photo et quels objectifs choisir ? » (à en juger par les e-mails que nous recevons, certains d’entre-vous se posent sérieusement la question ces temps-ci) (♫ Petiiiiit papa nooooooël !! ♫)

★ Et enfin, n’oubliez pas de participer au challenge de Noël Blanc et Or ! ★

★★★

Pour participer le principe est simple  :
1- Sélectionnez une recette (originale, réinterprétée, votre favorite…peu importe mais faites plaisir à vos papilles !!).
2 -Mettez-la en scène en respectant le thème du Noël « White & Gold » et prenez la plus jolie photo qui sublimera votre plat.
3- > Pour les bloggeurs : publiez sur votre blog votre photo en expliquant votre démarche : pourquoi cette mise en scène, cette lumière, vos réglages etc. Dites-nous si vous avez rencontré des difficultés, si vous êtes satisfaits et pourquoi. Et surtout n’oubliez pas de nous laisser un petit commentaire sur ce billet lors de votre publication et nous de envoyer votre photo pour que nous puissions prendre en compte votre participation.
> Pour les non-bloggeurs : envoyez-nous votre photo avec également l’explication de votre démarche, vos réglages, vos problèmes rencontrés, comment vous avez réussi à les surmonter et sinon ce qui vous a bloqué.

DATE LIMITE d’envoi/publication : le 20 décembre 2011 à 23h59 :) EDIT du 14/12 : suite à quelques demandes (et parce que c’est bientôt Noël !), nous avons décidé de prolonger la date de soumission pour le challenge jusqu’au 31 décembre 2011 à 23h59. Et pour répondre à vos questions : ne vous inquiétez pas, toutes les participations reçues jusque-là ont bien été comptabilisées si vous avez suivi le procédé décrit ci-dessus dans l’article !

Envoi à culinographie [at]gmail[point]com, Objet : Concours White and Gold
Format et taille du fichier photo :  TIFF ou JPEG (72 dpi minimum, 728 pixel de large minimum)

Edit : Attention 1 seule participation par personne ! (et attention aussi à la retouche photo, nous y sommes vigilantes ^^)

RÉSULTATS : Parigote, Christelle et moi-même nous concerterons pour déterminer le ou la gagnante. Les résultats des 3 coups de coeur gagnants seront mis en ligne sur le blog le 26 décembre 2011. 05 Janvier 2012 !

LES CRITÈRES
Nous prendrons en compte :
- L’appétence du plat
- Le stylisme ( il ne s’agit pas là d’en faire des tonnes mais de trouver la meilleure mise en scène qui mettra en avant votre recette)
- Respect du thème (il peut être appliqué à votre recette et/ou à votre stylisme, mais aussi dans votre choix de lumière etc C’est comme vous voulez, il doit juste être présent ^^)
- La qualité de la photo (gestion de la lumière, le cadrage, la composition et l’unicité de la photo)

Nous ne prendrons pas compte :
- La difficulté de la recette
Edit : – La qualité de la photo dû à la gamme d’appareil photo ne sera pas prise en compte pour laisser une chance à tous. Il est possible de faire de très belles photos avec un compact ou un bridge, certes cela demande plus de travail, mais chercher des solutions pour combler une lacune matérielle est le meilleur moyen de progresser. Ce n’est pas l’appareil qui fait une belle photographie, mais l’oeil d’un photographe. Alors ne vous découragez pas, et tentez votre chance !

À vos appareil photos !

Étonnamment, on se retrouve avec des photographies d’une teinte différente de celle qu’on peut apprécier avec nos yeux. Le truc c’est que notre cerveaux ne perçoit pas les changements de lumière, ou plutôt si, il les perçoit il mais va traiter cette information et la ré-équilibrer afin que notre appréciation des blancs (et donc des couleurs) reste neutre. Magie du cerveau, nos yeux nous mentent ! Le « problème » de l’appareil photo c’est que lui, il a besoin de réglages pour traiter ces informations lumineuses et neutraliser la couleur de la lumière : c’est ce qu’on appelle la balance des blancs. En gros, on va devoir dire à l’appareil photo (ou au logiciel de retouche) que telle couleur, c’est du blanc. Ainsi, il traitera toute la photo selon cette donnée : les blancs seront alors blancs. Aujourd’hui, les appareils numériques et les logiciels de retouche permettent même de filtrer la couleur de la lumière mieux que ne le fait le cerveau et de produire des blancs plus blancs que blanc (n’en déplaise à Coluche).

Pour avoir une photo qui respecte au maximum les couleurs naturelles, la balance des blancs va donc être essentielle. Si je ne gère pas cette balance et laisse l’appareil photo gérer tout seul en automatique, le résultat est très aléatoire. J’ai alors 2 solutions : soit je règle les blancs sur mon appareil numérique, soit je les règle avec un logiciel de retouche.

Selon type d’appareil photo, plusieurs possibilités de réglages de la balance des blancs s’offrent à vous.

LES RÉGLAGES PRÉ-ENREGISTRÉS

C’est le minimum syndical de la balance des blancs : votre appareil a déjà enregistré les réglages des situations d’éclairage les plus courantes.

On trouve généralement :

Automatique : dans ce mode, vous laissez l’appareil se débrouiller tout seul pour savoir ce qui est blanc. C’est un peu la loterie, rares seront les fois où il vous sortira une balance correcte et précise.

Nuageux : l’appareil va se régler sur une température élevée de lumière (environ 6 000K) pour contrebalancer la faible température de la source lumineuse.
Lors d’une journée très nuageuse, la lumière va être bien plus diffuse : les infimes particules d’eau vont diffracter la lumière, la rendant ainsi beaucoup plus homogène et produisant une température élevée d’où cette couleur blanche tirant vers le bleu.

Ensoleillé : l’appareil va se régler sur une température un peu élevée de lumière (5 200 K environ).
Ce réglage, comme son nom l’indique, est à utiliser en condition de plein soleil.

Tungstène : l’appareil va se régler sur une température faible de lumière (environ 3 000K).
La lumière tungstène est celle du bulbe des ampoules à incandescence (classique à filament ou halogène), elle va produire une lumière d’une faible température et donner des blancs chauds voire oranges.

Ces pré-réglages sont ceux de base que l’on trouve sur tous les appareils, ils peuvent être accompagnés d’autres réglages un peu plus précis affinant la température de la lumière :

Bougie : qui va contrebalancer la lumière rouge d’une situation de très faible luminosité

Fluorescent : qui va contrebalancer la lumière jaune-verte d’un éclairage au néon

Ombre : l’appareil va se régler sur une haute température de lumière (environ 8 000K)

LA BALANCE DES BLANCS MANUELLE

Sur certains appareil, on va pouvoir indiquer manuellement à l’appareil le blanc que l’on veux voir apparaitre comme blanc sur la photo. Lorsque ce mode est sélectionné, on a la possibilité d’indiquer par une photo (soit en sélectionnant un point d’une photo, soit en prenant la photo d’un aplat neutre) la couleur qu’on considère être une couleur neutre. Généralement, on prend en photo une feuille de gris neutre (gris à 18 %) ou une feuille blanche. Parfois, il est ensuite possible d’affiner la précision en réglant la valeur du bleu (B) et de l’ambre (A) et/ou du magenta (M) et du vert (V). [Je vous renvoie à votre manuel d'utilisation si tout ça vous semble du charabia !]

Sur certaines boitiers, on peut également régler sa balance des blancs en choisissant directement la température de couleur. Plusieurs paliers de température de couleur sont donnés dans la menu, et on sélectionne la température qui convient le mieux à la situation lumineuse.

LA RETOUCHE DE LA BALANCE DES BLANCS

Si jamais vous n’avez pas réglé votre balance des blancs lors de la prise de vue ou si celle-ci a mal été faite, pas de panique ! On peut retoucher la balance des blancs directement sur la photo, soit en passant par l’appareil (mais l’appréciation des couleurs via le petit écran LCD n’est pas forcément aisée) soit en utilisant un logiciel de retouche photo. Mais la retouche photo fera prochainement l’objet d’un billet complet, en attendant, il va falloir vous entraîner à régler les blancs sur votre appareil !

LA BALANCE DES BLANCS COMME CHOIX STYLISÉ

La balance des blancs peut aussi être réglée comme un choix stylistique à part entière pour renforcer une ambiance. Cela reste certes assez rare en photo culinaire car en modifiant la balance des blancs, on va modifier la couleur de la photo et donc du plat ou des aliments (ce qui est quand même un peu embêtant quand on veut rendre compte du résultat d’une recette !). L’exercice reste donc difficile comme en témoignent les trois photos ci-dessous où la variation de la balance des blancs s’est faite par petites touches.

Pour ceux qui auraient oublié, la partie 1, c’est ici : http://www.culinographie.com/2011/06/03/la-lumiere-part-1/. Nous nous étions intéressés à la façon dont votre appareil photo capte la lumière. Je vous avais laissé entre autres avec le couple fracassant vitesse/ouverture, et leur chère amie, la sensibilité ISO. Si vous avez des questions, n’hésitez surtout pas à nous les poser dans la partie commentaire ou en nous écrivant.

Pour cette deuxième partie, nous allons jouer avec la LUMIÈRE NATURELLE, autrement dit celle que mère nature nous offre : le soleil !
À l’inverse de la lumière artificielle, elle est plutôt économique puisqu’a portée de tous.  Let the sushine in.  Le soleil nous fournit certes une source de lumière facile d’accès, mais difficile à dompter. Grand soleil, intempéries,  journées d’hiver trop courtes, température de couleur changeante*…la lumière naturelle a son lot de contraintes et il faut apprendre à s’adapter.

* La température de couleur sera un sujet abordé dans un billet sur la « balance des blancs », c’est l’une des principales contraintes. Les tonalités de couleur changent au cours de la journée, vos blancs seront tantôt bleutés tantôt jaunes/orangés. Je vous parlais précédemment de l’influence de la lumière dans la narration d’une photo : une lumière forte et contrastée donnera une ambiance très différente d’une lumiere douce et diffuse, c’est la même chose pour la tonalité colorée de votre photo, le jaune sera plus chaud, plus « vintage », le bleu plus froid et plus moderne. Il faut donc y penser pendant votre shooting en lumière naturelle, choisissez le bon moment qui correspond au message que vous souhaitez passer.

QUELQUES CONSEILS POUR DÉBUTER :

1 / Avant de vous attaquer au plein soleil et à ses contrastes prononcés (ombres très marquées), préférez l’ombre, ou l’orientation nord. Si vous n’avez pas le choix, je vous explique plus bas comment atténuer l’intensité lumineuse du soleil.

2 / Attention aux sources lumineuses que j’appelle parasites, si vous êtes dans votre salon, faites attention à la lumière diffusée par votre écran d’ordinateur, votre télévision, le reflet d’une vitre etc.

3 / Les éléments autour de votre plat à photographier sont aussi à prendre en compte. Des murs et des meubles blancs renvoient la lumière, tandis que des murs de couleur changent la tonalité de votre photo, et des éléments foncés absorbent la lumière. Si vous faites votre photo en étant très proche de votre sujet, faites attention : vous pouvez créer des ombres. En effet souvent invisible lorsque vous déclenchez, l’impact de votre pantalon noir sur votre plat se verra sur la photo. Et oui vos vêtements peuvent aussi jouer le rôle de réflecteur de lumière… Il est parfois préférable de prendre un peu de distance et d’utiliser une télécommande pour déclencher.

4 / La vaisselle et le fond sont aussi importants. Un couvert en bois aura plutôt tendance à absorber la lumière à l’inverse d’une cuillère en argent. Un fond en tissu rouge renverra une tonalité rosé, tandis qu’un fond peint en blanc satiné réfléchira beaucoup de lumière…

I/ L’ORIENTATION

Deux orientations sont généralement utilisées :
a-celle où la source lumineuse se trouve sur le côté du sujet et de l’appareil photo.
b-celle où la source lumineuse est face à l’appareil photo (derrière le plat)

Bien évidemment, on se met rarement dos à la source lumineuse :)
La plus facile des orientations à maîtriser est celle venant de côté. Sur fond noir, vous pouvez créer de jolis clairs obscurs. La deuxième permet de faire rentrer plus de lumière dans l’appareil photo, cependant votre plat risque fortement d’être à contre-jour, et il faudra donc contrebalancer en renvoyant de la lumière devant votre sujet.

II/ LA RÉFLEXION ET LA DIFFUSION

Il est possible d’atténuer les contre-jours et les ombres trop marquées sans utiliser d’autres sources lumineuses. Pour cela, il suffit de réfléchir la lumière à l’aide des réflecteurs blancs, argentés ou dorés (attention ces deux derniers changent la tonalité de votre photo)
Le réflecteur le plus courant (et économique) reste le carton plume blanc. Placé face à la source lumineuse il réfléchit la lumière, et adoucit les zones d’ombres. Vous pouvez ainsi maîtriser l’intensité lumineuse en diminuant ou augmentant la distance entre votre plat et le carton, mais aussi en jouant avec son inclinaison. À l’inverse, vous pouvez créer des zones d’ombres douces en utilisant un carton plume noir qui va absorber la lumière. Pour une réflexion plus intense et précise, il est possible d’utiliser un miroir que vous dirigerez vers la zone que vous souhaitez mettre en avant.

La lumière est trop intense ? Vous pouvez diffuser plus doucement la lumière venant de vos fenêtres à l’aide de rideaux ou de voiles blancs translucides, ou encore avec de grandes feuilles de papier calque, les ombres seront ainsi plus légères.

…

Regardez sur ce magnifique enchaînement des 4 photos, les différences sont bien visibles sur les poires, les couverts, l’intérieur du bol…

…

Aujourd’hui, on s’intéresse aux photos de la graphiste et blogueuse Valérie Szewczyk du blog B comme Bon.

Comme pour le blog d’Aran, le blog de Valérie fait partie des tous premiers blogs de cuisine et photo que j’ai découvert (grace à ma copine Solène ! Salut !) et qui m’a fait saliver ! Avant de vous laisser plonger dans l’interview, j’aimerais simplement revenir sur un point que j’ai trouvé super intéressant lors des échanges que j’ai eu avec Valérie :

Valérie dit d’elle-même qu’elle n’est ni photographe professionnelle ni styliste, malgré la grande qualité et personnalité de ses photos ! Jusqu’ici, elle a refusé les contrats professionnels en photos…car elle ne souhaitait simplement pas « transformer son appartement en studio » et qu’elle prenait plaisir à alimenter son blog car il n’y avait justement aucune contrainte. Enfin, elle rappelait, très justement, qu’en photo ou en stylisme, les cahiers des charges sont souvent très pointus et que c’est un vrai métier.

Et j’ai trouvé ça très inspirant. À l’heure où beaucoup se revendiquent « photographes », « graphistes », « stylistes » ou « rédacteurs en chef  » (lol) pour peu qu’ils postent quelques images et textes sur un blog, j’ai trouvé le discours de Valérie très honnête, simple et rafraîchissant ! Bref, à l’image de son superbe blog…

***

Bonjour Valérie, comment es-tu arrivée à la photo culinaire ? Quel est ton parcours ?

Par goût pour l’image. Je voulais faire comme dans les magazines ça m’amusait et j’aimais mettre en scène les produits… et puis je me suis lancée dans la blogosphère…

Quel est le moment que tu préfères dans l’élaboration d’une photo culinaire ? Et celui que tu détestes (ou aime le moins) ?

Préparer la photo, c’est-à-dire faire le stylisme, choisir les éléments qui composeront l’image et trouver les objets qui mettront en valeur la recette sans la vampiriser.
On ne peut pas dire qu’il y ait des moments que je déteste… sinon je passerais à autre chose !

Comment se passe une journée type de séance photo ? Es-tu toujours seule ou as-tu parfois recours à des assistants ?

N’étant pas professionnelle, je ne fais des photos culinaires que pour mon blog… donc hors studio avec peu de matériel et quand la lumière naturelle le permet… un paramètre non négligeable… toujours seule… mes séances ne durent pas plus d’une heure, et souvent moins,  car je n’ai pas plus de temps à y consacrer… Je réalise la recette, je prépare la prise de vue, je fais la photo sous plusieurs angles, avec des accessoires qui varient… je charge les images dans mon ordinateur et je fais le tri pour choisir les 4 ou 5 images que je proposerai dans mon post… rien de plus… tout au long de l’année, je me fais une petite collection d’accessoires susceptibles de composer les photos de mon blog…

Quel est le réglage ou le dispositif plus technique que tu as mis le plus de temps à maîtriser ? (en photographie ou en stylisme)

Je ne fais pas des photos très compliquées mais il y a parfois des ingrédients qui ne supportent pas l’attente…

Toutes les images ©Valérie Szewczyk- ne peuvent pas être utilisées sans permission.
Matériel utilisé : Nikon D300 avec un objectif macro 60 mm.

Quel est le plat le plus difficile que tu as/ ou as eu à dompter,  à photographier ? Comment t’en es-tu sortie ?

La glace… il faut être réactif… donc quand je voyais qu’elle commençait à fondre, un petit coup au congélateur pour quelques minutes et je recommençais.

Ton accessoire de stylisme culinaire fétiche ?

Les petits bouts de tissus, avec des motifs et des couleurs différents qui permettent de faire des fonds variés en fonction des plats.

Le travail dont tu es le plus fière à ce jour ?

Je ne suis pas du genre à être satisfaite de mon travail… j’aime croire qu’on peut faire mieux c’est un bon moteur pour aller plus loin ;-)

Toutes les images ©Valérie Szewczyk- ne peuvent pas être utilisées sans permission.
Matériel utilisé : Nikon D300 avec un objectif macro 60 mm.

Quels sont tes futurs projets pour ton blog, en photo,  en stylisme? Il y en aurait-il un que tu aimerais spécialement voir se concrétiser ?

Depuis le lancement du blog, je n’ai jamais eu de ligne de conduite précise, si ce n’est d’essayer de l’alimenter régulièrement. En fait j’aime le faire évoluer au gré des rencontres et des inspirations… sans contrainte… pour qu’il reste un espace d’échange.

Où puises-tu ton inspiration ? Quel photographe ou styliste t’as inspiré et t’inspire encore ?

Je lis pas mal de magazines ou livres de cuisine.

Enfin, si tu avais un seul conseil à donner à celui ou celle qui veut se lancer dans la photographie culinaire, quel serait-il ?

Attention je ne suis pas photographe culinaire ! Mon vrai métier est graphiste, je l’avoue ça aide… et je n’ai pas de réel conseil à donner dans ce domaine, ce qui est certain c’est que au-delà des considérations techniques et ceci est valable dans tous les domaines, il faut prendre du plaisir à faire les choses et développer son regard, c’est déjà beaucoup…

Merci beaucoup Valérie !

Son blog : B comme Bon

On remercie Émilie Mascia qui nous a envoyé (il y a quelques mois déjà.. hem) les premières photos qui vont nous servir pour cet exercice de critiques constructives ! Parce que oui, il ne s’agira pas de faire le procès de quelqu’un dans ces billets (attention on frappe !), mais bien de donner des conseils pour permettre d’avancer dans sa pratique photographique et le stylisme !
Allez, je me lance et je compte sur vous pour compléter l’article dans la partie commentaires !

Objectif Nikkor 18-55 mm f. 3,5 1/40 (ISO ?)

Objectif Nikkor 18-55 mm f. 3,5 1/30 (ISO ?)

© Crédit photo Émilie Mascia. Recette de Samossas au chocolat, noix de coco et banane
tirée du livre « Leçons de pâtisserie : l’intégrale » par Christophe Felder.

L’histoire que raconte les photos

Émilie ne nous a pas parlé de l’histoire/l’émotion qu’elle voulait transmettre dans ces photos, mais par le choix des accessoires (nappes à carreaux rose, mug…) j’imagine bien un goûter gourmand de l’après-midi. L’ambiance est assez féminine (et presque enfantine).

La mise au point est faite sur les samossas : c’est l’élément principal de la photo; et le reste est plus ou moins flou. Émilie a utilisé des carreaux de chocolats comme « accessoires naturels » pour rappeler les ingrédients de la recette… et ça c’est un très bon point ! (sur lequel je reviens plus bas !)

La lumière

La photo a vraisemblablement été prise à la lumière naturelle, ce qui est toujours assez flatteur pour les couleurs et la tonalité générale de l’image (imaginez la même chose sous la lumière jaune de votre hotte par exemple, on n’aura pas du tout le même effet !)

Quand on compare la photo horizontale à la photo verticale, on s’aperçoit néanmoins que la photo horizontale manque un peu de contraste dans les couleurs (les carreaux de la nappe sont moins roses, la couleur du chocolat moins dense et la couleur des samossas est moins dorée et du coup, moins appétissante) et qu’elle est légèrement surexposée.

L’exposition et les couleurs de la photo verticale sont  plus équilibrées.

Un petit conseil : quand on prend des photos dans le cadre d’une série de photos, c’est bien important d’essayer de rester constant et de faire attention à cet équilibre couleurs/ contrastes et balance des blancs (= avoir un blanc « neutre » ni trop froid (tirant vers le bleu) ni trop chaud (tirant vers le jaune)).

La composition

C’est là que réside selon moi LE problème de ces photos.
La prise de vue est légèrement en dessous de la hauteur des yeux. C’est comme si on regardait le plat accroupie le nez juste au-dessus de la table (ce qui n’arrive pas très souvent… à moins que vous soyez comme mon chat  qui vient sniffer dès qu’on met un truc sur notre table basse !) :D

En photographie culinaire, c’est souvent plus flatteur et plus gourmand de prendre une photo avec une hauteur légèrement supérieure à la hauteur des yeux (vue de 3/4) ou en vue aérienne (au-dessus du plat)… une photo – même légèrement- en contre-plongée aura toujours un effet peu naturel… et le plat sera déformé (pas top au niveau gourmandise, hein ?)

Du coup, sur ces photos, on a l’impression que le plat est écrasé vers le bas.
L’espace négatif (généralement le blanc ou l’espace où il n’y a rien dans la photo- comme ici le mur du fond) est trop important (surtout sur la photo verticale), alors que si la photo avait été prise d’un peu plus haut (en vue de 3/4,) la composition aurait certainement été plus équilibrée.

L’objectif utilisé ici (18mm-55mm) est a une ouverture telle, que l’image paraît un peu déformé (on le voit bien sur les carrés de chocolat qui sont un peu « en perspective »). Un meilleur réglage de l’objectif (à 55mm plutôt que vers les 18 mm) ou un objectif fixe à 50 mm par exemple, proche du champ de vision de nos yeux, permettrait de supprimer l’effet de déformation et rendrait la composition plus harmonieuse.

Le stylisme (culinaire et accessoires)

Comme dit précédemment, l’utilisation d’accessoires naturels comme les ingrédients qui composent un plat est toujours pertinente… surtout quand on ne les voit pas dans le plat « final »- comme ici avec la garniture qui est à l’intérieur des samossas. Cela permet d’identifier immédiatement les saveurs, si un plat est sucré/ salé, etc.

J’aime le fait qu’Émilie n’ait utilisé que quelques accessoires de vaisselle qui fonctionnent ensemble : ça ne surcharge pas trop la photo et retranscrit bien l’ambiance d’une table de goûter.

Attention cependant à l’échelle et à la mise au point sur ces ingrédients :
Sur la photo horizontale, les bananes sont si floues qu’on ne les reconnaît plus : est-ce un autre plat de samossas ? Une serviette orange ? Ce n’est que sur la photo verticale qu’on les distingue un peu mieux.

On aurait peut-être pu retrouver des rondelles de bananes près des samossas afin de mieux comprendre. Émilie aurait aussi pu essayer de croquer le bout d’un des samossa pour montrer la texture à l’intérieur (mais si c’est appétissant seulement ! Par exemple, la viande hachée est rarement appétissante en gros plan… mais c’est du cas par cas)…

Enfin, les carreaux de chocolats sont trop en premier plan, ils prennent beaucoup d’importance et on a presque l’impression, sur la photo horizontale, que les samossas sont de la même taille.

Un autre petit conseil : de manière générale, il faut bien prêter attention à l’échelle des ingrédients avec lesquels on travaille, surtout si ils sont de tailles vraiment différentes (une banane aura l’air géante à côté d’une mignardise par exemple !)

…

Je pourrais sans doute continuer encore, mais je pense que je vais vous laisser travailler ! ^__^
J’espère que cette nouvelle rubrique vous a plu (n’hésitez pas à nous dire !)

Si vous voulez proposer vos photos, vous pouvez nous les envoyer à culinographie{at}gmail{point}com en précisant bien le matériel que vous avez utilisé, les réglages et l’histoire que vous vouliez transmettre dans votre photo.

Alors, avez-vous des choses à ajouter qui pourraient aider Émilie (et tout le monde) à améliorer ses photos ?
Et merci encore à Émilie d’avoir proposé ses photos !